Die seltsamsten Bilder

Kunst, wenn sie nicht in die Berechnung der Realisten zu nehmen, war schon immer, und wird seltsam sein. Metaphorisch, die Suche nach neuen Formen und Ausdrucksmitteln. Aber einige seltsame Bild eines anderen Landes.

Im Folgenden sind zwei Dutzend der bizarrsten Bilder. Wir haben sind bewusst nicht in dieser Sammlung von Salvador Dalí, deren Werke fallen ganz unter dem Format des Materials und der erste in den Sinn zu kommen.

Munch "Cry"

1893, Öl auf Karton, Tempera, Pastell. 91h73, 5 cm

National Gallery, Oslo

„Der Schrei“ ist ein Meilenstein Expressionismus und einer der berühmtesten Gemälde der Welt.

„Ich war mit zwei Freunden entlang eines Weges zu Fuß - die Sonne einstellte - plötzlich der Himmel wurde blutrot hielt ich inne, Erschöpfungsgefühl, und lehnte sich auf dem Zaun - ich im Blut und Feuerzungen über dem blauschwarzen Fjord und die Stadt sah - meine Freunde gingen auf, und ich stand da, zitternd vor Aufregung, endlose Schrei piercing Natur fühlen „, sagte Edvard Munch über die Geschichte der Malerei.

Es gibt zwei Interpretationen eines Bildes: es ist der Held selbst in Schrecken verschlungen ist und weint leise, drückte seine Hände an die Ohren; oder der Held hält sich die Ohren von klingender um Ruhe und Natur zu schreien. Munch malte vier Versionen von „Der Schrei“ und eine Version dieses Bildes dieses - die Frucht einer manisch-depressiven Psychose, die den Künstler beeinflusst. Nach der Behandlung in der Klinik Munch kehrte nicht auf dem Netz zu arbeiten.

Paul Gauguin „Woher kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“

1897-1898, Öl auf Leinwand. 139 1h374 6 cm

Museum of Fine Arts, Boston

ein tiefer philosophischer Bild Nachimpressionist Paul Gauguin wurde von ihnen nach Tahiti geschrieben, wo er aus Paris geflohen. Nach Abschluss der Arbeit, er wollte sogar Selbstmord begehen, weil „Ich glaube, dass diese Leinwand nicht nur all meine vorhergehend diejenigen übertrifft, und ich werde nie etwas Besseres oder ähnliches schaffen.“ Auf Anweisung von Gauguins Gemälden sollte von rechts nach links gelesen werden - die drei Hauptgruppen von Zahlen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stellt den Beginn des Lebens; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; in der letzten Gruppe der Vorstellung des Künstlers, „eine alte Frau, Tod nähern scheint in Einklang gebracht und widmete seine Reflexionen“, zu ihren Füßen, „ein seltsamer weißer Vogel ... stellt die Nutzlosigkeit der Worte.“

Pablo Picasso "Guernica"

1937, Öl auf Leinwand. 349h776 cm

Museo Reina Sofia, Madrid

Die riesige Leinwand-Wandbild „Guernica“, 1937 von Picasso geschrieben, sagt der Razzia Luftwaffe Einheiten auf der Stadt Guernica freiwillig, die in sechstausend Stadt geführt wurde völlig zerstört. Das Bild wurde nur einen Monat geschrieben - die ersten Tage der Arbeit an einem Gemälde von Picasso arbeiteten für 10-12 Stunden, und schon im ersten Entwurf könnten die Hauptidee zu sehen. Dies ist eine der besten Darstellungen des Alptraums des Faschismus, sowie menschlicher Grausamkeit und Trauer.

„Guernica“ ist die Szene von Tod, Gewalt, Brutalität, Leiden und Ohnmacht, ohne ihre unmittelbare Ursachen angibt, aber sie sind offensichtlich. Es wird gesagt, dass im Jahr 1940, Pablo Picasso an die Gestapo in Paris gerufen wurde. Es stellte sich sofort auf das Bild. „Wirklich?“ - „Nein, du hast es geschafft.“

Jan van Eyck "Arnolfini-Hochzeit"

1434 Öl auf Holz. 81.8h59.7 cm

London National Gallery, London

Porträt Giovanni di Nicolao Arnolfini und seine Frau vermutet, ist eine der schwierigsten Werke der westlichen Malschule der nördlichen Renaissance.

Berühmte Malerei völlig mit Symbolen, Allegorien und verschiedenen Referenzen gefüllt - bis zur Unterschrift „Jan van Eyck hier war“, die es nicht nur ein Kunstwerk gemacht und historisches Dokument bestätigen die tatsächlichen Ereignisse stattfanden, die vom Künstler besucht wurden. In Russland in den letzten Jahren hat sich das Bild großer Beliebtheit wegen der Arnolfini Porträt Ähnlichkeit mit Putin gewonnen.

Mikhail Vrubel "sitzende Dämon"

1890, Öl auf Leinwand. 114h211 cm

Tretjakow-Galerie, Moskau

Bild Vrubel überraschender Weise Dämon. Sad langhaariger Kerl nicht wie die Idee der universellen Menschen wie ein böser Geist aussehen soll. Der Künstler sprach über sein berühmtestes Bild:

„Demon - der Geist ist nicht so viel Böse wie Leid und traurig, in dem gleichen herrischen Geist und Würde.“ Dies ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, inneren Kampf, kein Zweifel. Tragischer seine Hände verschränkt, Dämon mit traurig sitzen und zeigte in die Ferne riesigen Augen, umgeben von Blumen. Die Zusammensetzung betont stesnonnost Dämon Figur, als ob zwischen den oberen und unteren Träger des Rahmens angeordnet ist.

Vereshchagin "Die Apotheose des Krieges"

1871 Öl auf Leinwand. 127h197 cm

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Vereshchagin - eine der wichtigsten russischen Schlachtenmaler, aber er zog den Krieg und die Schlacht nicht, weil er sie liebte. Im Gegenteil, versucht er die Menschen ihre ablehnende Haltung gegen den Krieg zu geben. Einmal in der Hitze der Emotion Vereshchagin sagte: „Die meisten Schlachtenbilder werden nicht schreiben - basta ich zu nah bin zu meinem Herzen akzeptieren, was ich schreibe, vyplakivayu (buchstäblich) Hängen Sie jede verwundet und tot!“. Wahrscheinlich war das Ergebnis dieses Ausrufs ein schreckliches und faszinierendes Bild der „Apotheose des Krieges“, die das Feld zeigt, die Krähen und den Berg des menschlichen Schädels.

Das Gemälde war so tief und emotional, dass jeder Schädel im Stapel liegen, Sie beginnen die Menschen zu sehen, ihr Schicksal und das Schicksal derer, die diese Menschen nie sehen haben. gleiche Vereshchagin sich mit einem traurigen genannt sarkastisch das Gemälde „Still Life“ - eine „tote Natur“ zeigt. Alle Details des Bildes, einschließlich der gelben Farbe, als Symbol für Tod und Zerstörung. Klarer blauer Himmel betont mortvennost Bild. Die Idee von „The Apotheose des Krieges“ ist definiert als die Narben von Schwertern und Einschusslöcher in den Schädel ausgedrückt.

Grant Wood "American Gothic"

1930 Öl. 74h62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

„American Gothic“ - eines der bekanntesten Bilder in der amerikanischen Kunst des XX Jahrhunderts, berühmten Kunst meme XX und XXI Jahrhunderts.

Malerei mit dunklem Vater und Tochter ist voller Details, die die Schwere des Puritanismus und misoneism Bilder von Menschen zeigen. Verärgerte Person Heugabel in der Mitte des Bildes, ein altmodischer selbst nach den Maßstäben von 1930 Kleidung, ausgesetzt Ellenbogengelenke auf die Bauernkleidung, die Form der Gabel zu wiederholen und damit eine Bedrohung, die für alle gerichtet, die übergreifen würde. All diese Details werden betrachtet und zittern endlos von neuyuta.

Es ist interessant, dass die Richter des Wettbewerbs am Chicago Institute of Art der „Gothic“ als „eine humoristische Valentine,“ umarmte und das Volk von Iowa schrecklich von Wood beleidigt, weil er sie in einem solchen unangenehmen Licht dargestellt.

Raney Magritt "Liebhaber"

1928 Öl auf Leinwand

Malerei "Lovers" ( "Lovers") gibt es in zwei Versionen. Ein Mann und eine Frau, deren Kopf im weißen Tuch gebündelt, Kuss, und eine andere - „Look“ auf den Betrachter. Das Bild ist überraschend und faszinierend. Zwei Figuren ohne Gesichter Magritte die Idee der Liebe und Blindheit vermittelt. Über Blindheit in jeder Hinsicht: in der Liebe sehen kann man nicht, kann nicht ihre wirklichen Personen sehen und uns darüber hinaus in der Liebe - ein Geheimnis, auch miteinander. Aber diese scheinbare Klarheit werden wir noch weiter an magrittovskih Liebhaber suchen und darüber nachdenken, sie.

Fast alle Gemälde von Magritte - diese Rätsel, die völlig unmöglich zu lösen sind, weil sie werfen Fragen über das Wesen des Seins. Magritte spricht immer von trügerischen Erscheinungen, seine verborgenen Geheimnis, das wir normalerweise nicht bemerken.

Chagall "Walk"

1917 Öl auf Leinwand

Die Staatliche Tretjakow-Galerie

Im Allgemeinen sehr ernst in seiner Malerei schrieb Marc Chagall ein herrliches Manifest seines eigenen Glücks, mit Allegorien und Liebe erfüllt. „Walk“ - ein Selbstporträt mit seiner Frau Bella. Sein Lieblings ragt in den Himmel und wegtragen diesen Blick im Flug und Chagall, instabil auf dem Boden stehen, als ob berühren nur ihre Zehen Schuhe. In der anderen Hand tit Chagall - er glücklich ist, hat es auch Vogel in der Hand (wahrscheinlich seine Malerei) und zwei im Busch.

Hieronymus Bosch "Der Garten der Lüste"

1500-1510, Öl auf Holz. 389h220 cm

Prado, Spanien

„Der Garten der Lüste“ - das berühmteste Triptychon von Hieronymus Bosch, erhielt seinen Namen auf der Mitte, auf die Sünde der Lust gewidmet ist. Bisher keine der verfügbaren Interpretationen des Gemäldes ist nicht die einzig wahr betrachtet.

Enduring Charme und zugleich die Fremdheit des Triptychons ist, wie der Künstler die Hauptidee durch eine Menge von Details zum Ausdruck bringt. Das Bild ist voll von transparenten Zahlen, hervorragenden Einrichtungen, Monster, die das Fleisch von Halluzinationen, höllisch Karikaturen der Wirklichkeit gefunden haben, auf die er prüfend schaut, sehr scharfen Blick zu. Einige Wissenschaftler haben wollten im Triptychonbild des menschlichen Lebens durch das Prisma ihrer Eitelkeit und Bilder der irdischen Liebe, andere sehen - ein Fest der Sinnlichkeit. Jedoch, Einfachheit und eine gewisse Distanz, die die einzelnen Figuren behandelt, sowie eine positive Einstellung zu dieser Arbeit seitens der Kirchenleitung in Zweifel gezogen, dass ihr Inhalt die Verherrlichung der körperlichen Freuden sein könnte.

Gustav Klimt "Die drei Lebensalter der Frau"

1905, Öl auf Leinwand. 180x180 cm National Gallery of Modern Art, Rom

„Die drei Lebensalter der Frau“ ist sowohl fröhlich und traurig. Darin drei Figuren Geschichte das Leben einer Frau geschrieben: sorglos, entspannt und Verzweiflung. Junge Frau organisch in das Muster des Lebens gewebt, die alten - steht aus ihm heraus. Der Kontrast zwischen dem stilisierten Bild einer jungen Frau und einer alten Frau naturalistische Weise erwirbt eine symbolische Bedeutung: Die erste Phase des Lebens mit sich bringt unendlich viele Möglichkeiten und Metamorphose, die letzte - unveränderlichen Konsistenz und Konflikt mit der Wirklichkeit.

Das Tuch nicht mehr loslässt, es in die Seele bekommt und macht uns über die Tiefe der Botschaft des Künstlers denken, sowie die Tiefe und die Unausweichlichkeit des Lebens.

Egon Schiele "Familie"

1918, Öl auf Leinwand. 152.5h162.5 cm

Galerie „Belvedere“, Wien

Schiele war ein Schüler von Klimt, aber wie jeder gute Schüler, er habe sein Lehrer nicht kopieren, und wurde für einen neuen suchen. Schiele viel tragischer, seltsam und erschreckend als Gustav Klimt. In seinen Werken viel, was man Pornografie, verschiedene Verdrehungen genannt werden, Naturalismus und gleichzeitig quälende Verzweiflung.

„Family“ - sein jüngstes Werk, die absolute Verzweiflung gebracht, trotz der Tatsache, dass dies - die am wenigsten fremd sein Bild suchen. Er malte ihn vor seinem Tod, nach dem Spanier aus dem Tod seiner schwangeren Frau Edith. Er starb 28 Jahre später, nur drei Tage nach Edith, mit ihm zu ziehen, sich selbst und ihr ungeborenes Kind auch.

Freed Calo "Two Frieda"

1939

Die Geschichte des harten Lebens der mexikanischen Malerin Frida Kahlo wurde nach dem Film „Frida“ mit Salma Hayek in der Titelrolle weithin bekannt. Kahlo schrieb meist Selbstporträts und der Grund ist einfach: „Ich selbst schreibe, weil ich viel Zeit allein verbringen und weil ich das Thema bin, die ich am besten kenne.“ Nicht ein einziges Selbstporträt von Frida Kahlo lächelt: ernst, sogar traurig Gesicht, buschige Augenbrauen zusammengewachsen, schwache Ranken schmallippig. Die Idee ihrer Bilder sind in Details, Hintergrund, Zahlen verschlüsselt, der neben Frieda erscheinen. Kahlos Symbolik basiert auf nationalen Traditionen und ist eng mit der indischen Mythologie der vorspanischen Zeit verknüpft.

In einer der besten Gemälde - „Two Frida“ - drückte sie männlich und weiblich, trat in ihrem einzigen Kreislauf-System, seine Integrität zu demonstrieren.

Claude Monets "Waterloo Bridge. Nebel-Effekt"

1899 Öl auf Leinwand

Die Staatliche Eremitage, St. Petersburg

In die Bilder im Nahbereich der Überprüfung der Betrachter sieht nichts anderes als Bilder, die die häufigen dicken öligen Abstrichen tragen. Die magischen Werke enthüllt wird, wenn wir in einen größeren Abstand beginnen von der Bahn nach und nach weg zu bewegen. Erstens, bevor wir seltsamen Halbkreis zu manifestieren, die durch die Mitte des Bildes beginnen, dann sehen wir einen klaren Überblick über die Boote und gingen zu einer Entfernung von etwa zwei Metern vor uns scharf gezogen und in einer logischen Kette angeordnete Verknüpfung ganze Arbeit.

Jackson Pollock "No. 5, 1948"

1948 Faserplatten, Öl. 240h120 cm

Die Fremdheit dafür ist, dass das Gewebe des amerikanischen Führers des abstrakten Expressionismus, die er gemalt, Farbe auf dem Boden ein Stück Faserplatte auf der Zersetzung zu verschütten - das teuerste Gemälde der Welt. Im Jahr 2006 Sothebys für sie $ 140 Millionen bezahlt. David Giffen, Filmemacher und Sammler, verkaufte es an mexikanischen Finanzier David Martinez.

„Ich auch weiterhin von den üblichen Werkzeugen des Künstlers wegzubewegen, wie Staffelei, Palette und Pinsel. Ich ziehe es Sticks, Schaufeln, Messer und Gießen Farbe oder Farbmischung mit Sand, Glasbruch oder etwas anderes. Als ich in der Malerei war, habe ich nicht erkennen, was ich tue. Verstehen später kommt. ich habe keine Angst vor Veränderung oder Zerstörung des Bildes, weil das Bild sein eigenes Leben zu leben. ich helfe sie raus, nur um. Aber wenn ich Kontakt mit der Malerei zu verlieren, wird es den Schmutz und Chaos aus. wenn nicht, es ist reine Harmonie, Leichtigkeit, wie Sie verwendet resh und dir geben. "

Joan Miró „Mann und Frau vor einem Stapel von Exkrementen“

1935, Kupfer, Öl, 23h32 cm

Joan Miró-Stiftung, Spanien

Ein guter Name. Und wer hätte gedacht, dass dieses Bild uns über die Schrecken des Bürgerkrieges erzählt.

Der Film wurde auf ein Blatt aus Kupfer für die Woche zwischen dem 15. und 22. Oktober 1935 gemacht. Nach Miro, ist das Ergebnis der Versuche, die Tragödie des spanischen Bürgerkrieges darzustellen. Miro sagte, es ein Bild von einer Periode der Angst ist. Das Gemälde zeigt einen Mann und eine Frau an den Armen anderen Strecken, aber nicht bewegen. Erhöhter Geschlechtsorgane und ominöse Farben wurden wie „voller Ekel und Abscheu der Sexualität.“

​​Jacek Yerka "Erosion"

Der polnische neosyurrealist weltweit für seine erstaunlichen Gemälde bekannt, die Realität zu kombinieren, neue zu schaffen. Es ist schwierig, es ist sehr detailliert und etwas herzerwärmende Arbeit an einen betrachten, aber es ist die Größe unseres Materials, und wir hatten zu wählen - seine Phantasie und Geschick zu illustrieren. Wir empfehlen Ihnen, im Detail zu lesen.

Stoneham Bill "Hände entgegenstellen ihm"

1972

Diese Arbeit, natürlich, nicht zu den Meisterwerken der Weltkunst gezählt werden, aber das ist es seltsam - es ist eine Tatsache.

Rund um das Bild mit der Jungen Puppe und Palmen auf das Glas gedrückt wird, ist legendär. Aus „weil diese sterben“ auf „Kinder in ihr leben.“ Das Bild sieht wirklich beängstigend, dass die Menschen mit schwacher Mentalität vielen Ängste und Phantasien.

Der Künstler bestand auch darauf, dass das Gemälde selbst im Alter von fünf Jahren zeigt, dass die Tür - Blick auf die Trennlinie zwischen der realen Welt und der Welt der Träume und der Puppe - ein Führer, der Lage sein wird, die Jungs durch diese Welt zu halten. Die Hände stellen die Alternative des Lebens oder Fähigkeit. Das Bild gewann Vorsprung im Februar 2000, als es mit einer Geschichte zum Verkauf auf eBay setzen, die, dass das Gemälde erzählt - „Spuk“. „Hände entgegenstellen ihn,“ kaufte für 1025 Dollar, Kim Smith, der dann nur mit Briefen von Horrorgeschichten und Anforderungen überschwemmt wurde das Bild zu brennen.